Off The Record...

Paréntesis Musical: Stone Temple Pilots

2008-06-27T10:39:00.001-07:00

Scott Weiland es el último de los rockstars. Después del segundo arcoiris que me ha tocado ver en el Casino del Sol, los Stone Temple Pilots envolvieron el anfiteatro AVA de rocanrol puro, melódico, fuerte y clásico. Esa última palabra define perfectamente el concierto. Un setlist de greatest hits, incluyente de todos sus discos, y mis favoritas personales "Lady Picture Show" y "Wicked Garden". Scott, pálido y delgado, desafortunadamente muestra en su físico los estragos de una larga adicción, pero eso no le impidió entregarlo todo en el escenario. "Sólo quiero ver sonrisas", dijo entre canciones, y eso le ofreció en demasía su público, a excepción de un a**hole que le aventó cerveza durante "Creep", cuando el vocalista se dio un paseo entre las primeras filas.
Los hermanos DeLeo están en perfecta forma y Eric Kretz mantuvo el ritmo firme y seguro en la batería. En su totalidad, una gran noche y un nostálgico viaje al pasado reciente.

Siento que mucho depende del clima.

Tengo tres palabras para usted: "Kung-Fu Panda"

2008-06-20T19:55:00.001-07:00

“Buenos días señores guionistas mal pagados y gruñones, ¿tienen alguna idea jugosa para mí?”, cuestiona en tono curioso el trajeado ejecutivo de Dreamworks.
“Tenemos una súper idea señor fabricante de sueños”, responde el escritor de cuarenta y tantos y aspecto desenfadado mientras aprieta una pelota de estrés.
“Cuéntamelo todo”, invita el ejecutivo. “Pues, tenemos un panda, que sabe kung-fu”, es la breve explicación.
“¿Es todo?”, pregunta el hombre de ‘los dineros’. “Es todo”.
“OK, consigue a Jack Black y tenemos una película. Luz verde.”

Es fácil visualizar a Jack Black (“Be Kind Rewind”, 2008) como un osito panda. Es aun más fácil imaginarnos a un osito panda con la voz de Jack Black. El polifacético actor y músico le da vida a “Kung-Fu Panda”, el nuevo proyecto animado de Dreamworks.
Después de la desairada “Shrek 3” y la olvidable “Over The Hedge”, el mega estudio le apuesta ahora a la historia de un regordete y flojo animal bicolor que es elegido para resguardar a su aldea de la amenaza enemiga.
Po (con la voz de Black en la versión en inglés) es el menos trabajador, por decirlo de una manera, de los pandas del Valle de la Paz, y es tan “pesadito” que apenas se puede levantar.
Por un accidente del destino, o dedazo del guionista, Po es nombrado el “Guerrero Dragón” y tendrá que enfrentarse al traicionero y temido Tai Lung (Ian McShane) en un combate de artes marciales.
Los dibujos están bien logrados, Po es simpaticón, la trama es sencilla y la película es corta. Pueden llevar a sus hijos o sobrinitos.
No se reinventa la rueda del cine animado con “Kung-Fu Panda”, pero, ¿a poco no es chistoso el puro nombrecito?

Off the record: Jack Black, también conocido como Brandy Black o Ignacio, es un apasionado historiador de la música pop y, con su banda Tenacious D, ha luchado por revivir el espíritu del rocanrol. En la reciente “Walk Hard: The Dewey Cox Story” (2007), hace una aparición especial interpretando a Paul McCartney.

“Kung-Fu Panda”
Dreamworks, 2008, EU
Directores: Mark Osborne, John Stevenson
Protagonizan: Jack Black, Angelina Jolie, Dustin Hoffman
Duración: 92 minutos
Género: Comedia animada
Clasificación: AA

Paréntesis Musical: Glow In The Dark Tour

2008-05-10T10:14:00.000-07:00

El McKale Center de la Universidad de Arizona se transformó en el Planeta Kanye el pasado 24 de abril durante la presentación del espectacular Glow In The Dark Tour.
Una nave espacial, una computadora llamada Jane, fembots desnudas con cabello azul, hologramas de chicas caza-dinero y una banda de músicos vestidos de negro debajo del escenario acompañaron al Sr. West en su show de un solo hombre, que resultó ser una brillante mezcla entre un interestelar Mad Max y un estruendoso monólogo con ritmos hip-hop.
"Good Morning" fue la introducción. Kanye no salió al escenario, literalmente despertó en él, y durante una hora y media condujo a miles de personas de todas las razas, la mayoría jóvenes universitarios, en un estruendoso e inspirador viaje musical y de luces brillantes.
Los hits abundaron: "Jesus Walks", "Gold Digger", "Good Life" y la catártica "Can't Tell Me Nothing", que cantada por más de 8 mil voces se convierte en un poderoso y masivo himno.
Kanye comprobó ser un artista consumado, entregado a entretener y tocar fibras sensibles en su público; el único respiro fue después de la sentimental "Hey Mama", dedicada a su recién fallecida madre, Donda West.
Un espectáculo que tiene que ser visto para ser creído. "Mr. West...", parafraseando a Jane la sexy computadora, "usted es la estrella más brillante del universo".

¡Lupe!, ¡Lupe!, ¡Lupe!
Mentiría si no dijera que aun más que en las "flashing lights" de Kanye West, estaba entusiasmado con la posibilidad de presenciar en vivo las complejas rimas e incomparable técnica en el micrófono de Lupe Fiasco.
Como un demonio de Tazmania vestido de rojo, el nativo de Chicago tuvo una breve pero intensa presentación, acompañado de los cantantes Matthew Santos y Sarah Green(estén pendientes de estos dos, están a punto de despegar).
Lupe Fiasco es el mejor rapero que he tenido el gusto de presenciar en vivo, su música es vibrante y electrizante, su tono de voz y control de respiración son impecables y su mensaje es positivo, cargado del espíritu del verdadero hip hop.
"Kick, Push", "Superstar", "Daydreaming" y "Fighters" fueron algunos de los temas que incluyó en su set.
El otro grupo abridor, N.E.R.D., resultó ser más fiesta que sustancia. Pharrell Williams no es todo un cantante, pero sabe cómo mover a la gente. Su show destacó por la presencia de dos bateristas y la intensidad con la que se desenvolvieron en el escenario.

El "after"
Para cerrar la velada con un poco de rock, me dirigí al club "Plush", que tenía como invitados a Stephen Malkmus & The Jicks. Malkmus, ex-líder de la banda Pavement y un genio de la guitarra distorsionada, trae en su nueva alineación a Janet Weiss, de Sleater Kinney, lo que la da una mayor contundencia a su sección rítmica.
The Jicks son un grupo de experimentados músicos, se nota que les gusta tocar y lo hacen con un desenfado tan profesional y melodioso que pone en vergüenza a la nueva camada de artistas autodenominados "indie". Lo mejor, la versión de "We Can´t Help You", del nuevo álbum "Real Emotional Trash". ¡Ah! Y conseguí el setlist de Weiss. Este es el reporte de Off The Record, desde Tucson.

Preview: Glow in the Dark Tour

2008-04-23T17:52:00.000-07:00

En 24 horas OffTheRecord tendrá su ceremonia de graduación de la Universidad Kanye. Es su mundo, nosotros nomás lo habitamos.

Unas horas después, daremos un paseo por las grietas del pavimento de Tucson con Stephen Malkmus & The Jicks en el club Plush. Pronto los detalles de esta jornada musical.

Welcome to the GOOD LIFE.

En Cartelera: "Juno"

2008-04-04T15:52:00.001-07:00

****

Las cosas preciosas y frágiles necesitan un manejo especial. “Juno”, que podría definirse en una sola palabra como “preciosa”, es una angelical y agridulce emulación cinematográfica del espíritu musical del indie pop de grupos como Belle and Sebastian.
Ellen Page es Juno, una chica de 16 años con un pesado e inesperado contratiempo: Está embarazada. En su razonamiento, eso solamente significa 36 semanas de incomodidades, ya que ha decidido dar el bebé en adopción a una pareja deseosa de criar a un chiquitín.
Lo que separa a “Juno” de otras comedias basadas en adolescentes es el candor, honesta ingenuidad e inteligencia que el excelente guión de Diablo Cody les otorga tanto a los jóvenes como a los papás, quienes dejan de ser un estereotipo de autoritarismo y son personajes comprensivos con sus propios sentimientos y motivos.
El melodioso ritmo de líneas memorables que ofrece “Juno”, uno de los “scripts” más elogiados de los últimos años, es llevado a la vida con sensibilidad y gran tiempo cómico por un envidiable elenco secundario, del cual destaca Michael Cera como el desenfadado padre del fruto que carga Juno; una actuación maravillosa aquí al igual que en su papel en la súper cómica “Superbad” del año pasado. Ese joven es oro.
“¿Es posible que dos personas permanezcan juntas para siempre?”, pregunta Juno a su padre con real consternación. Quisiera pensar que sí. Al menos “Juno”, del director Jason Reitman, es una de esas películas que se quedan contigo, como un preciado y precioso álbum de rock que cuidas como un frágil tesoro.

Off the Record: Diablo Cody, guionista ganadora del premio Óscar por su trabajo en “Juno”, relató su experiencia como bailarina exótica en el libro “Candy Girl”.

Próximamente: "Shine a Light"

2008-04-04T14:30:00.001-07:00

En septiembre de 2006, el director Martin Scorsese y un equipo de 10 expertos cinematógrafos se dieron a la tarea de filmar un íntimo concierto de la banda de rock más grande del mundo en el Beacon Theater, en Nueva York.
"En mi mente, hice esta película hace 40 años, sólo que hasta ahora se filmó", dijo Scorsese al referirse a su más reciente rockumental: "Shine a Light", en el que capta con maestría la experiencia en vivo de los británcios The Rolling Stones.
El resultado de esas ideas y su reciente ejecución, en palabras de Roger Ebert, es el documental más íntimo jamás filmado de un concierto de rock.
Scorsese, posiblemente el mejor director actualmente trabajando, no es un novato en la dirección de documentales con temática musical: "The Last Waltz", filmado durante el épico y último concierto de The Band; y "No Direction Home", sobre la vida de Bob Dylan, son obras esenciales del género.
"Shine a a Light" es uno de los estrenos más anticipados de la temporada, si no has tenido la oportunidad de ver a los "Stones" en concierto, esta película deberá ser una muy respetable consolación.

En el video: The Rolling Stones interpretan "Jumpin' Jack Flash" en una escena de la película.

Paréntesis musical: Domadores de ritmos

2008-03-18T12:10:00.000-07:00

El “hip” es el conocimiento y el “hop” es el movimiento. Desde la puesta de Sol hasta la medianoche, “bombas” líricas y “beats” duros como el asfalto cayeron sobre la plaza Leona Vicario de Hermosillo el sábado pasado durante la celebración del quinto aniversario de Rima y Razón.

Sonora, Sinaloa, Baja California Sur, Arizona y Ohio fueron representados por una docena de raperos, quienes hicieron del escenario su campo de batalla; el hip-hop no es sólo música, es una manera de vivir.

Con los puños en el aire y veneno en sus versos, los domadores de ritmos “dispararon” sus rimas para conmemorar un año más de este programa radiofónico de Radio Sonora.

Más de 200 aficionados, desde niños hasta seguidores de la “vieja escuela”, movieron sus cabezas con los ritmos callejeros y recitaron las rimas de conocimiento urbano.

La vestimenta: Jerseys, ropa estilo militar, pantalones “aguados”, pelo rapado, botas “tims” y tenis.

Fueron cinco horas de estricto “hardcore”, punzantes comentarios sociales y algunas letras sugestivas dedicadas a las “ladies”, quienes también tuvieron su representante arriba del escenario con Vicky MC, la sorpresa de la noche.

La presencia internacional de Beretta 9, miembro del grupo neoyorquino Killarmy, y de Swindoe, de Tucson, Arizona, les dio a los presentes la oportunidad de escuchar frente a frente las rimas y ritmos de las urbes al Norte de la frontera.

Rima y Razón es un programa dedicado al género hip-hop que se transmite cada sábado en punto de las 22:00 horas por Radio Sonora en Hermosillo, con lo más novedoso de la escena local, nacional e internacional.

El roster
Kid Maña (Hermosillo)

Tavo Ice (Hermosillo)

Drez (Cd. Obregón)

Vicky MC (Hermosillo)

Aceldama (La Paz, BCS)

Bazooko (Culiacán, Sin)

Kran (Hermosillo)

Atake FDD (Hermosillo)

El Elote (Los Mochis, Sin)

Bastön (Baja California Sur)

Swindoe (Tucson, AZ)

Beretta 9 (Ohio/NYC)

Hacen “conecte”
“El Internet es bueno en muchas maneras, a mí me ha ayudado a hacer negocios y conectarme con la gente”, aseguró Beretta 9, veterano de la escena “underground” de Nueva York.

Originario de Ohio y miembro del grupo Killarmy, afiliado de Wu-Tang Clan, el rapero también conocido como Kinetic llegó a Hermosillo gracias a la conexión virtual que lo acercó a Aceldama, de Baja California Sur.

“Respeto lo que hacen, suena bien”, afirmó Beretta 9 a OffTheRecord al escuchar el “rapeo” y la música de los artistas locales.

Comentó que actualmente se encuentra trabajando con el productor RZA, Reverend Burk y Shavo, de System of a Down, en un proyecto que lleva como nombre Achozen y en el próximo disco de Bobby Digital. Respeto.

www.myspace.com/kinetic9
www.myspace.com/aceldama
www.rimayrazon.com

I wish that I was 18, again. Oscar Night.

2008-02-24T20:54:00.000-08:00

La tormenta pronosticada nunca llegó y la huelga de guionistas quedó en el olvido. Óscar, tras una accidentada temporada de premios, celebró su cumpleaños número ochenta en una noche dorada con elegantes matices rojos.
El Kodak Theatre, en Hollywood y Highland, fue la sede de esta fiesta, la cual tuvo a Jon Stewart como anfitrión.
“Están aquí, no lo puedo creer”, dijo el irreverente comentarista político, en referencia al paro del gremio de escritores que puso en duda la realización de la ceremonia.
La incertidumbre de las semanas previas a la entrega de los Premios de la Academia quedó atrás, y el wattage de superestrellas presentes dejó en claro que Óscar es el hombre desnudo más atractivo del mundo del espectáculo.
Fue una larga celebración – casi cuatro horas -, ecológicamente correcta y geográficamente diversa. Aquí el recuento de los ganadores y demás “shenanigans”.

Los ganadores

Vestuario: “Elizabeth: The Golden Age”
Largometraje animado: “Ratatouille”
Maquillaje: “La Vie en Rose”
Efectos Visuales: “The Golden Compass”
Dirección de Arte: “Sweeney Todd”
Actor secundario: Javier Bardem, “No Country for Old Men”
Cortometraje: “The Mozart of Pickpockets”
Cortometraje animado: “Peter & The Wolf”
Actriz secundaria: Tilda Swinton, “Michael Clayton”
Guión adaptado: “No Country for Old Men”
Edición de sonido: “The Bourne Ultimatum”
Mezcla sonora: “The Bourne Ultimatum”
Actriz: Marion Cotillard, “La Vie en Rose”
Edición: “The Bourne Ultimatum”
Película en idioma extranjero: “The Counterfeiters”, Austria
Canción original: “Falling Slowly”, de “Once”
Cinematografía: “There Will Be Blood”
Música original: “Atonement”
Cortometraje documental: “Freeheld”
Largometraje documental: “Taxi to the Dark Side”
Guión original: Diablo Cody, “Juno”
Actor: Daniel Day Lewis, “There Will Be Blood”
Dirección: Joel y Ethan Coen, “No Country for Old Men”
Mejor Película: “No Country for Old Men”

Los “shenanigans”

Gemelos de diferente madre: Jonah Hill y Seth Rogen, de “Knocked Up”, quienes fueron presentados como Judi Dench y Halle Berry. Funny dudes.

Con otro “premio”: Jessica Alba, Nicole Kidman y Cate Blanchett, “ligeramente embarazadas”.

Saliendo de la oscuridad: Owen Wilson reapareció, tras su intento de suicidio hace algunos meses, para presentar la categoría de Cortometraje.

¿Habla español?: Javier Bardem cerró su discurso de aceptación con una dedicatoria a su mamá y a su país, en su lengua natal. ¿Y Penélope?

“No puedo creer que estoy aquí”: Katherine Heigl, de “Knocked Up”, no pudo contener los nervios, y eso que sólo presentó una categoría menor.

Momento “red carpet”: Gary Busey interrumpió la entrevista de Ryan Seacrest con Jeniffer Garner, sacándole un buen susto a la señora Affleck. Creepy en “Entourage”, más creepy en la alfombra roja.

Rigurosa etiqueta: Todas las personas en pantalla o fuera de ella, desde los nominados hasta los acomodadores, lucieron vestimenta formal. Diablo Cody, por otro lado, lució tremendo tatuaje y un vestido medio “animal print”.

Piratas de Hollywood: Harrison Ford y Daniel Day Lewis portaron aretes durante la ceremonia. Indiana Jones y El Último de los Mohicanos, yo-jo, yo-jo.

¡Felices ochenta Óscar! Nos vemos el año que entra, cuando tengas 18 otra vez.

Busey alert!

En Cartelera: "American Gangster"

2008-02-11T18:43:00.001-08:00

****

Un verdadero O.G. (Original Gangster), Frank Lucas logró lo que ningún otro afroamericano había logrado antes: Ser el rey del narcotráfico en Nueva York.
Frank Lucas superó a la mafia italiana, esquivó a los policías más corruptos y reclutó como tenientes a sus familiares, con quienes logró formar un imperio de heroína en los años setentas; my man! Frank hasta llevaba a su madre y esposa a misa todos los domingos.
Su historia, y la de Richie Roberts, el policía que siguió sus pasos en una exhaustiva investigación judicial, es llevada al cine en “American Gangster” de Ridley Scott (“A Good Year”, 2006), un maestro del cine a gran escala.
Para mayor efecto, el director reclutó a dos poderosos y magnéticos actores: Denzel Washington (“Deja Vu”, 2006), en el rol del despiadado pero honroso gangster, y Russell Crowe (“3:10 to Yuma”, 2007), como el duro pero incorruptible representante de la ley.
El resultado es una épica cinta de mafiosos, al estilo “Goodfellas” (Martin Scorsese, 1990) y “The Godfather” (Francis Ford Coppola, 1972), y aunque no alcanza la grandeza y perfección de esos clásicos, es una digna adición al canon del cine de crimen real.
Washington es uno de esos actores a los que se les cree todo lo que dicen, cuando habla de honor, integridad y lealtad, sabemos que esas palabras vienen de un hombre que tiene la sutileza para guardar silencio y la ferocidad para matar sin aviso previo.
Pero el alma de la película está en el personaje de Richie Roberts, interpretado con gallardía por Crowe. Su impecable travesía por la justicia contrasta con su inestabilidad personal y violento carácter.
Scott nos guarda lo mejor para el final, cuando Washington y Crowe están frente a frente. La conversación nos deja claro que ambos hombres son sumamente inteligentes, que entienden su posición en el tablero.
“American Gangster” es cine electrizante, grande en perspectiva y ejecución.

Off The Record: Antoine Fuqua (“Shooter”, 2006) fue encomendado a dirigir esta película originalmente en 2004 con Denzel Washington como el actor principal y Benicio Del Toro (“Things We Lost in the Fire”, 2007) como Richie Roberts, pero la producción fue cancelada un mes antes de comenzar la filmación. Protegido por un contrato, Del Toro recibió su salario de 5 millones de dólares a pesar de no participar en la película al ser resucitado el proyecto. Sólo en Hollywood.

En Cartelera: "Cloverfield"

2008-02-07T15:13:00.001-08:00

***

Una película puede hacerte reír, llorar, gritar, rabiar, filosofar y, en el caso de “Cloverfield”, incluso puede hacerte vomitar, o por lo menos provocarte un buen mareo.
Desde “El Exorcista” (William Friedkin, 1973), no tengo conocimiento de una cinta que literalmente haya hecho regurgitar a algunos espectadores, pero esta producción de J.J. Abrams, creador de la serie de televisión “Lost”, ha provocado vértigo en más de un cinéfilo. (Por fortuna a mí no).
¿Por qué el posible malestar? ¿Es por asco, miedo o insoportable horror? La verdad no es para tanto: “Cloverfield” es una película de monstruos y destrucción en Nueva York, al estilo Godzilla, filmada desde la perspectiva de una cámara de video que opera uno de los protagonistas.
Después de los ominosos créditos iniciales, que indican que lo que veremos es video oficial obtenido en un lugar “antes llamado Central Park”, “Cloverfield” es aproximadamente 73 de minutos de tomas con cámara en mano, grabadas (supuestamente) por un amateur, en medio de caos y pánico.
Para añadirle al desorden, el joven que carga la camarita al parecer está borracho, ya que los primeros 20 minutos de la película se centran en una fiesta muy “hip” en un loft de Manhattan.
Dejando atrás la controversia y el morbo que ha generado la campaña publicitaria y el rumor de que es una película que posiblemente no puedas aguantar físicamente, “Cloverfield” es una efectiva cinta de suspenso sobrenatural, con pocas explicaciones y que no excede su tiempo de bienvenida (más tiempo y sí me hubiera dado vértigo).
La técnica es una mezcla de película de desastre, espanto (¿qué es ese ruido? ¡Bang!) y falso-documental estilo Blair Witch Project, con una marcada sensibilidad post 9/11.
Con “Cloverfield”, Abrams y Matt Reeves, muy exitosos en la TV, cumplen con uno de los principales propósitos del cine y el arte en general: Provocar emociones.

Off the Record: La película es vista desde el punto de vista de Hud (T.J. Miller, “Carpoolers”, TV, 2007), el personaje que utiliza la cámara. H.U.D. son las iniciales de Heads Up Display, el término utilizado para esta técnica.

En Cartelera: "We Own The Night"

2008-01-26T11:04:00.001-08:00

*** ½

Buenos actores y una ejecución efectiva de las herramientas cinematográficas pueden hacer de un guión genérico una película que exceda sus aspiraciones y se convierta en algo memorable.
Con las Sólidas, sí, con S, actuaciones de Joaquin Phoenix (“Walk the Line”, 2005), Mark Wahlberg (“Shooter”, 2005), Eva Mendes (“Ghost Rider”, 2007) y Robert Duvall (“Lucky You”, 2007), “We Own The Night” es un ejercicio del género gángster/policiaco que trasciende sus limitaciones temáticas.
Devastadora, sensual y electrizante, la más reciente cinta de James Gray (“The Yards”, 2000) teje una estresante telaraña que nos adentra al mundo de las corporaciones policiacas, la mafia rusa y sus peligrosas relaciones de sangre.
Phoenix es Bobby “Green”, el manager de un club de moda en Nueva York, donde la droga y el dinero ilícito fluyen aun más que el alcohol y las mujeres con poca ropa.
Él hace bien su trabajo y es querido por la familia de rusos que operan el lugar, pero tiene un dilema que nadie en su círculo cercano conoce: Su padre y su hermano, Bert (Duvall) y Joe (Wahlberg) Grusinsky, son los policías encargados de erradicar el tráfico de drogas en ese territorio.
La identidad de Bobby se ve amenazada cuando un tirador enmascarado hiere a uno de sus parientes cercanos, de quienes mantiene una distancia necesaria, debido posiblemente a viejos rencores y un sentimiento muy adentrado de culpa.
Una serie de advertencias y encuentros amenazadores ponen a Bobby en una situación difícil, y la vida de todos los involucrados, incluyendo a su novia Amada Juarez (la sensual y frágil Eva Mendes), pende de una línea más peligrosa que una de cocaína pura.
Gray logra momentos de verdadero terror humano, como una persecución bajo la lluvia intensa, un tiroteo dentro de una cosecha en llamas y un sórdido “tour” al oscuro mundo de las fábricas de droga.
“We Own The Night” es una película enérgica, dura, precisa y tremendamente angustiante.

Off The Record: “We Own The Night” es el segundo trabajo conjunto del trío Gray/Phoenix/Wahlberg, la primera ocasión en la que colaboraron fue en la película “The Yards”, del 2000.

En Cartelera: "Rendition"

2008-01-26T10:07:00.001-08:00

*** 1/2

El 2008 comienza bien para Off The Record. “Rendition”, dirigida por el ganador del Óscar Gavin Hood (“Tsotsi”, 2005), es un drama/thriller político efectivo, revelador y envolvente.
“Estados Unidos no utiliza la tortura” es el slogan de la administración de George W. Bush. Cierto, pero el país líder del mundo libre no tiene reservas en enviar a los sospechosos de terrorismo a otra nación lejana para una larga sesión de golpes, electrocuciones y el controversial “waterboarding” (si ven las noticias o la película sabrán de qué se trata).
Isabella Fields El-Irahimi (Reese Witherspoon, “Just Like Heaven”, 2005) vive en Chicago y es la esposa de Anwar (Omar Metwally, “Munich”, 2005), un ingeniero egipcio-americano. Ella espera que su hombre, padre de un hijo y otro en camino, regrese de un viaje de negocios en África; él sube al avión pero nunca arriba al aeropuerto en EU (según la bitácora de vuelo).
El arresto/secuestro/interrogatorio de El-Irahimi es propiciado por un severo atentado terrorista en un país de aquel continente, en el cual su nombre es vinculado con uno de los perpetradores.
En ese lejano lugar, un agente de la CIA (Jake Gyllenhaal, “Zodiac”, 2007) es comisionado a observar el interrogatorio, a cargo del duro policía local Abasi Fawal (Igal Naor, “Munich”, 2005), todo bajo las órdenes y consentimiento de la decidida jefa de la Agencia de Inteligencia (Meryl Streep, “The Devil Wears Prada”, 2005).
Mientras tanto, de vuelta en América, Isabella investigará el paradero de su esposo con el apoyo, aunque sea temporal, de un ex novio (Peter Sarsgaard, “Jarhead”, 2005), quien ahora es asistente de un senador demócrata (Alan Arkin, “Little Miss Sunshine”, 2006).
El drama y el suspenso son aderezados por una historia secundaria que envuelve a la hija de Abasi Fawal (la novel Zineb Oukach), que le da un toque humano a su personaje y sirve de hilo dramático para un guión no lineal, lo que aumenta la tensión, a pesar de no ser todo en tiempo presente.
Tema controversial y actual, buenas actuaciones, suspenso y angustia, así como actuaciones y ambientes efectivos, hacen de “Rendition” una excelente película para estos tiempos de incertidumbre.

Nos vemos en el cine…

Off The Record: Igal Naor y Omar Metwally, torturador y torturado, tienen papeles pequeños en “Munich”, galardonada cinta de Steven Spielberg sobre el atentado terrorista en los Juegos Olímpicos de 1972.

Au revoir, 2007. Bienvenido, 2008

2007-12-31T16:22:00.001-08:00

Para Roger Ebert, quien en estos momentos se encuentra en recuperación de un cáncer que le imposibilitó hablar, el 2007 fue maravilloso para el cine, uno de los mejores años en reciente memoria. Al ver su lista de las diez mejores cintas exhibidas en los últimos doce meses en Estados Unidos, me doy cuenta de por qué no comparto su opinión: La mayoría de las películas mencionadas no han sido estrenadas en México, mucho menos en Hermosillo.
Al intentar hacer una lista de mi “top ten”, me quedé corto y las incluidas posiblemente no hubieran dado el ancho en otras circunstancias.
Por eso sólo haré una mención especial a las películas que tuve la oportunidad de apreciar en las salas de cine o en casa durante este 2007 que me parecieron buenas, sin que eso signifique que sean las mejores del año u obras maestras.
Esperemos que el grueso de la lista de Ebert, premio Pulitzer, autoridad en crítica de cine internacional y referencia obligada para Off The Record, llegue en el 2008 a Hermosillo, ya sea en pantalla grande o video.

Ebert’s Top Ten:

1. “Juno”. Comedia sobre una adolescente embarazada, con diálogos astutos, actuaciones memorables, ritmo acelerado, encantadores personajes y situaciones muy divertidas. Se menciona como seguros nominados al Óscar a la actriz protagónica, Ellen Page, y al guión original de Diablo Cody. Dirección: Jason Reitman.
2. “No Country for Old Men”. Una película “perfecta” para muchos críticos, con una historia fría y oscura sobre un asesino en serie y su trascendencia en la vida de varios personajes. Destaca la actuación del español Javier Bardem, la cual fue considerada por Ebert como una “fuerza de destrucción”. Dirección: Ethan y Joel Cohen.
3. “Before the Devil Knows You’re Dead”. Phillip Seymour Hoffman, Ethan Hawke y Albert Finney protagonizan esta historia sobre un asalto ficticio a una joyería familiar. La traición y la mentira juegan un papel importante en el desarrollo de la trama. Dirección: Sidney Lumet.
4. “Atonement”. El malentendido de un niño destruye cualquier posibilidad de felicidad para tres personas. Este drama de época, basado en una novela de Ian McEwan, tiene secretos guardados hasta el final. Dirección: Joe Wright.
5. “The Kite Runner”. Adaptación del excelente best-seller de Khaled Hosseini sobre dos jovencitos afganos y su amistad antes y después del régimen talibán. Filmada en el lenguaje local, cuenta una desgarradora historia con un esperanzador final. Dirección: Marc Forster.
6. “Away Fom Her”. Julie Christie estelariza este drama sobre la enfermedad de Alzheimer. Gordon Pinsent encarna a su esposo, quien no puede comprender cómo toda una vida de memorias puede desaparecer. Dirección: Sarah Polley.
7. “Across The Universe”. Musical inspirado en el cancionero de los Beatles que cuenta la historia de un grupo de jóvenes que viven en Greenwich Village. La música del cuarto de Liverpool aplica en la vida de todos. Dirección: Julie Taymor.
8. “La Vie en Rose”. Marion Cotillard ofrece una virtuosa actuación como “Little Sparrow”, la cantante legendaria más querida por los corazones franceses. Una gran película musical-biográfica. Dirección: Oliver Dahan.
9. “The Great Debaters”. Basada en la historia real de un equipo de debate en el colegio Wiley. Estelarizada por Denzel Washington, Forest Whitaker y el joven Denzel Whitaker (sin relación). Dirección: Denzel Washington.
10. “Into the Wild”. Narra la historia real de Christopher McCandless, un solitario idealista que se embarcó en una expedición a terreno salvaje en Alaska. Emile Hirsch protagoniza. Dirección: Sean Penn.

Off The Record’s Honorable Mentions:

“Zodiac”. Espeluznante historia basada en el crimen real del “asesino del Zodiaco” y la interminable investigación en búsqueda de su identidad. Trabajo magistral de David Fincher, quien logra intrigar, aterrorizar y generar interés en uno de los casos más sonados en la historia del periodismo policiaco.

“300”. Glorioso triunfo del estilo sobre la sustancia. Los 300 espartanos de esta cinta sellan su destino en sangre en una inmensa batalla a puño y espada. Homoerótica, carnal y ultraviolenta. Dirigida por Zack Snyder, basada en la novela gráfica de Frank Miller.

“Sunshine”. Impresionante película de ciencia ficción en la que un equipo de astronautas es enviado a una misión que consiste en resucitar al Sol. Atmósfera tensa y actuaciones efectivas hacen de esta película de Danny Boyle un buen ejercicio de género con tintes humanistas.

“Perfume”. Una película elegante, sensual y asquerosa. El best-seller internacional es aptamente trasladado a la pantalla grande por el director alemán Tom Tykwer. Destaca la actuación de Dustin Hoffman y la dirección de arte.

Otras películas recomendables estrenadas en Hermosillo durante el 2007:
“The Departed”, ganadora del Óscar a Mejor Película
“The Last King of Scotland”, con Forest Whitaker, Premio Óscar Mejor Actor
“The Queen”, con Helen Mirren, Premio Óscar Mejor Actriz
“Sicko”, documental de Michael Moore sobre el sistema de salud en Estados Unidos.
“Blood Diamond”, con Leonardo Dicaprio y Djimon Hounsou, sobre el tráfico de diamantes en África.
“Black Snake Moan”, con Samuel L. Jackson y Christina Ricci, una historia sobre el racismo, el sexo y los blues en el Sur de EU.

¡Feliz año nuevo! Nos vemos, en el cine.

Cine en casa: "Black Snake Moan"

2007-12-26T21:28:00.000-08:00

En un año de lo más aburrido para el cine – al menos en las salas de Hermosillo -, de los estantes del videoclub se deslizó a mis manos “Black Snake Moan”, la más reciente cinta de Craig Brewer, director de la genial “Hustle & Flow” (2005).
Todo es más caliente en el Sur, lee la publicidad de este peculiar drama con tintes musicales, y Samuel L. Jackson (“Snakes on a Plane”, 2006), Christina Ricci (“Monster” ,2003) y Justin Timberlake (“Alpha Dog”, 2006) en verdad traen fuego con sus actuaciones.
Lazarus (Jackson), un viejo músico de blues, encuentra en su camino el cuerpo golpeado de Rae (Ricci), una joven rubia quien a la menor provocación arde en deseo y se contonea como serpiente.
La tierna-bestial-extraña relación entre estos dos personajes forma la base dramática de esta poderosa y candente película, que aborda los complicados temas del sexo, el racismo, la redención y las tribulaciones del “pueblo chico, infierno grande”.
Jackson está en perfecta forma aquí y sorprende con sus dotes de cantante de blues, pero la verdadera revelación es Ricci; ella es posiblemente la actriz más arriesgada de Hollywood junto a Charlize Theron y Naomi Watts.
Timberlake es Ronnie, el amor verdadero entre los muchos amantes de Rae, y su interpretación es vulnerable y rica en sutilezas y emociones.
Craig Brewer logra de nuevo destilar la esencia de personajes en las orillas de la perdición, la ignorancia y la desesperación. La música es un medio catártico para los habitantes de su mundo y una guía narrativa para el espectador.
Las acciones presentadas no son fáciles de digerir, pero aceptamos que forman parte de la naturaleza humana.
Es posible que nunca hayas visto algo similar a “Black Snake Moan”, si no puedes aguantar el calor, aléjate del fuego.

Off The Record: Como parte de su preparación para esta película, originalmente titulada “Bible School Mission”, Samuel L. Jackson aprendió a tocar la guitarra durante la producción de “Snakes on a Plane” (2006). ¿Cuál es el asunto entre Jackson y las serpientes?

www.moanmovie.com

Paréntesis Musical - Polyphonic Spree

2007-11-15T17:00:00.001-08:00

El pasado 3 de noviembre, Tim DeLaughter y The Polyphonic Spree descendieron en el Rialto Theatre de Tucson. Una noche llena de buena vibra, sobrecarga auditiva y visual y muchos abrazos. Uno de los highlights de la noche fue una versión de Live and Let Die, de Paul McCartney. Disfruten.

"Hold me now, don't start shakin'..."

Paréntesis Musical: Bob Dylan

2007-10-24T22:10:00.001-07:00

Bob Dylan
Tucson, Arizona
Casino Del Sol
July 24, 2007

Set List:

1. Leopard-Skin Pill-Box Hat (Bob on electric guitar, Donnie on lap steel)
2. Lay, Lady, Lay (Bob on electric guitar, Donnie on pedal steel, Stu on acoustic guitar)
3. Watching The River Flow (Bob on electric guitar, Donnie on lap steel)
4. Workingman's Blues #2
(Bob on keyboard, Donnie on pedal steel, Stu on acoustic guitar)
5. Rollin' And Tumblin'
(Bob on keyboard, Donnie on electric mandolin, Stu on acoustic guitar)
6. Simple Twist Of Fate
(Bob on keyboard and harp, Donnie on pedal steel, Stu on acoustic guitar)
7. Stuck Inside Of Mobile With The Memphis Blues Again
(Bob on keyboard, Donnie on pedal steel, Stu on acoustic guitar)
8. Lonesome Day Blues (Bob on keyboard, Donnie on lap steel)
9. When The Deal Goes Down
(Bob on keyboard, Donnie on pedal steel, Stu on acoustic guitar, Tony on standup bass)
10. Most Likely You Go Your Way (And I'll Go Mine)
(Bob on keyboard and harp, Donnie on lap steel, Stu on acoustic guitar)
11. Señor (Tales Of Yankee Power)
(Bob on keyboard, Donnie on lap steel, Stu on acoustic guitar)
12. Highway 61 Revisited
(Bob on keyboard, Donnie on lap steel, Stu on acoustic guitar)
13. Spirit On The Water
(Bob on keyboard and harp, Donnie on pedal steel, Stu on acoustic guitar, Tony on standup bass)
14. Summer Days (Bob on keyboard, Donnie on pedal steel, Tony on standup bass)
15. Masters Of War
(Bob on keyboard, Donnie on lap steel, Stu on acoustic guitar, Tony on standup bass)

(encore)
16. Thunder On The Mountain
(Bob on keyboard, Donnie on lap steel, Stu on acoustic guitar)
17. Blowin' In The Wind
(Bob on keyboard and harp, Donnie violin, Stu on acoustic guitar)

Band Members
Bob Dylan - electric guitar, keyboard, harp
Tony Garnier - bass
George Recile - drums
Stu Kimball - rhythm guitar
Denny Freeman - lead guitar
Donnie Herron - violin, electric mandolin, pedal steel, lap steel

"Nobody feels any pain
Tonight as I stand inside the rain"

Después de una tarde de intensas lluvias y vientos, la tarde fue enmarcada por dos arcoiris completos y la música de Robert Zimmerman, gracias familia.

Angels are genderless...

2007-09-17T18:09:00.001-07:00

Morrissey canta "At Last I Am Born", durante el concierto que ofreció el pasado 31 de mayo en el Tucson Music Hall.

En Cartelera: "El búfalo de la noche"

2007-09-06T20:46:00.000-07:00

**

Para Guillermo Arriaga, el gran truco de la literatura está en que las manchas de tinta en el papel envuelvan a la mente, que reflejen luz donde antes no la había, como un espejo de la experiencia humana.
“El búfalo de la noche”, novela de su autoría, es una lectura desgarradora, con un instinto narrativo casi animal, encendido por la pasión del escritor por la cacería y las peleas a mano limpia.
Recién emancipado de su exitosa relación laboral con Alejandro González Iñárritu, Arriaga colabora en la adaptación de esta sombría historia con un cineasta primerizo, Jorge Hernández Aldana.
Lamentablemente, “El búfalo de la noche”, en su versión cinematográfica, pierde su ferocidad y cae de manera estrepitosa en el melodrama adolescente de incómodo erotismo, resultando en un ejercicio frustrante e insatisfactorio.
El respiro del búfalo, que augura la pronta muerte, se limita a una breve aparición en los créditos. A partir de ese momento, su ominosa presencia en el papel es imperceptible en la pantalla.
Crédito es debido a Gabriel González (Gregorio), Diego Luna (Manuel), Liz Gallardo (Tania), Irene Azuela (Margarita) y Camila Sodi (Rebeca), por su arriesgada decisión de aparecer en la cinta y apostarle al proyecto, pero el fruto de su labor no es suficiente para rescatar a esta fallida adaptación.
“Los tres entierros de Melquiades Estrada”, dirigida por Tommy Lee Jones, comprobó que Arriaga es capaz de escribir una buena película sin la colaboración de González Iñárritu; con Jorge Hernández Aldana, la mancuerna deriva en un verdadero desastre.
Con “El búfalo de la noche”, Arriaga sufre el primer tropezón en su carrera como autor de literatura cinematográfica, término que insiste en utilizar para referirse a lo que comúnmente conocemos como un guión.

Off the record: Para atraer al músico Omar Rodríguez-López (The Mars Volta) al proyecto, los realizadores le enviaron una cajita con objetos relacionados a la película, en referencia al paquete que le deja Gregorio a Manuel.

Señor director, su película apesta: "Deuce Bigalow: European Gigolo"

2007-06-25T15:19:00.000-07:00

Deuce Bigalow: European Gigolo (Dir: Mike Bigelow, USA, 2005)

La melodía que chifla el asesino de hombres-golfo en la película “Deuce Bigalow: European Gigolo” se titula “Something Stupid” (Algo estúpido), no encontramos mejor par de palabras para describir a esta tormentosa experiencia cinematográfica.
Johnny Rotten, en el último concierto de los Sex Pistols, aseveró: ¿Alguna vez han sentido que los están estafando? Después de 76 minutos, ¡76 minutos! de ver esta comedia que no hace reír, nuestra respuesta es un rotundo sí.
En esta ocasión, Deuce Bigalow, interpretado como en la primera parte por Rob Schneider, tiene que huir a Europa después de un embarazoso incidente con unos delfines.
Ámsterdam es el escenario para las desaventuras de este “man-whore”, quien se verá inmiscuido en la investigación de una serie de asesinatos de prostitutos, caso en el que su padrote T.J. (Eddie Griffin) es el principal sospechoso.
El noble Deuce comienza la búsqueda del verdadero homicida y entre las clientas que tendrá que investigar se encuentran una atractiva mujer con nariz de pene, una gigantona y una mujer que respira por un orificio en el cuello… Not funny. Ah, y por ahí conoce a una dulce y caliente rubia, de la cual se enamora a primera vista.
La franquicia de “Deuce Bigalow” se basa en una sola broma: El oficio del “man-whore” (hombre-golfo), y en esta cinta esa palabra es mencionada al menos 45 veces, a la tercera vez ya no es graciosa.
Deuce es en momentos un personaje inocente, da la impresión de que es un buen tipo, pero los nauseabundos “sight gags” (bromas visuales) de la película le roban toda posibilidad de causar simpatía.
Por su parte, T.J., el “pimp” que se ve siempre involucrado en “accidentes” que lo hacen parecer gay, es interpretado con tan notable valentía por Griffin, que dan ganas de verlo en una película realmente cómica, no en esta insultante basura.
“Deuce Bigalow: European Gigolo” estuvo maldita desde antes de su estreno, ya que ni el director quiso asociarse con ella, optando por el pseudónimo Mike Bigelow.
Señor Schneider, señor Bigelow o señor lo que sea, su película apesta, cañón.

Off the Record: Roger Ebert, premio Pulitzer por sus críticas de cine, tuvo una memorable “diferencia de criterios” con Rob Schneider, la cual es referenciada en el más reciente libro de Ebert: “Your Movie Sucks”.

Bonus Off the Record: Schneider fue nominado en el 2000 como Peor Actor Secundario en los Premios Razzie, pero perdió ante Jar Jar Binks.

Here's looking at you, Deuce.

Señor director, su película apesta

2007-06-20T15:58:00.000-07:00

Off The Record anuncia el comienzo de su viaje sin retorno al vasto universo de las películas gloriosamente malas.
Maravillosos fiascos como “Swept Away”, de Guy Ritchie; “Battlefield Earth”, de Roger Christian; “Popeye”, de Robert Altman; “From Justin to Kelly” de Robert Iscove; y la infame anticomedia “Deuce Bigalow: European Gigolo”, cuyo director prefirió usar el pseudónimo Mike Bigelow, serán expuestos a nuestros ojos y destrozados por la redacción para tu placer intelectual.
No confundamos, una película de serie B es mala por naturaleza y tiene un encanto amateur por default. La clase de bodrios de los que estamos hablando en su mayoría tienen el respaldo de grandes estudios, directores sobrepagados y actores vanidosos.
Ver una película mala puede ser una experiencia liberadora, pero en pequeñas dosis, porque algunas de ellas son un verdadero insulto a la razón, al buen gusto, al cine como arte y a nuestro tiempo.
Hay algunas tan malas, que sería más divertido ver a los actores comiendo que diciendo las sandeces que los guionistas les pusieron para que escupieran sin gracia.
Para comenzar, hablaremos de “Swept Away”, de Guy Ritchie, protagonizada por su esposa Madonna, posiblemente la peor película que hemos tenido la desgracia de ver.

Sin más que agregar, que comience la función. Nos vemos en el cine…espero.

Swept Away (Dir: Guy Ritchie, UK, Italia, 2002)
Este remake sin sentido de la poéticamente titulada “Swept Away by an Unusual Destiny in the Blue Sea of August” (Lisa Wertmüller, 1974), no sólo se quedó corta en el nombre, sino que se olvidó también de la gracia y la buena actuación, resultando en un desperdicio de dinero, de tiempo, de cinta, de DVDs y de espacio en los anaqueles de los videoclubes.
Ver esta película es una experiencia tan amarga y ahogante como tragar el agua salada que rodea a la pareja protagonista, Madonna y el insípido Adriano Giannini; hay más química en un laboratorio de crystal que entre los arenosos genitales de este par.
Guy Ritchie, el director, posiblemente se regodeó viendo a su esposa en bikini durante la filmación, e incluso pudo haber proyectado sus tendencias masoquistas con las cachetadas y maltratos que recibe la “Chica Material” durante la “trama”.
La historia, para no extendernos mucho, trata de la enfermiza relación entre una mujer acaudalada y el humilde ayudante del capitán de un barco, quienes por azares del destino terminan varados en una isla desierta en el Mediterráneo.
Pudieron ser los 98 minutos más desperdiciados de mi vida de cinéfilo, pero a partir de la mitad la tuve que ver a velocidad 2X.
Señor Ritchie, su película apesta.

Off The Record: La recepción del público y la crítica para esta película en Estados Unidos fue tan negativa, que el filme salió directamente en video en el Reino Unido, país de origen de Guy Ritchie.

Cine en casa: Cigarros, misterios y sueños

2007-06-16T11:49:00.001-07:00

Thank You For Smoking (Dir: Jason Reitman, USA, 2006)

Nick Naylor (Aaron Eckhart) es vocero de la Academia de Estudios sobre el Tabaco, institución patrocinada por la tabacalera Big Tobacco. Él es la “cara” del cigarrillo, un producto que mata a cientos de miles de personas al año en Estados Unidos.
Pero Nick no sólo es un Mercader de la Muerte, también es un buen tipo, un padre dedicado, de físico atractivo y hábil con las palabras.
“¿Por qué haces lo que haces?”, le pregunta su hijo. “Porque soy bueno para hacerlo”, contesta el rubio hombre de treinta y tantos años.
Ácida, cómica y con un elenco uniformemente excelente (Robert Duvall, Katie Holmes, Maria Bello, entre otros), “Thank You For Smoking” es una película agresiva, tan realista como lo es absurda, un respiro de originalidad rara vez encontrado en los estantes de los videoclubes locales.

Scoop (Dir: Woody Allen, UK, USA, 2006)

Los 96 minutos de “Scoop”, la más reciente cinta del maestro Woody Allen, se van como una agradable brisa. Es como reencontrarte con un viejo amigo: Conoces sus trucos pero trae algo nuevo e interesante que decir.
Sondra Pransky (Scarlett Johansson) es una precoz estudiante de periodismo, quien aprovecha unas vacaciones en Londres para buscar una buena historia y publicarla en el periódico escolar.
El destino la pone en la caja de trucos del mago Splendini (Woody Allen), donde recibe la inesperada visita de Joe Strombel, un recién fallecido periodista con una última exclusiva entre manos: Un joven y apuesto político (Hugh Jackman) podría ser un asesino en serie.
Sondra se encontrará con una serie de cómicos, románticos y posiblemente peligrosos eventos en la búsqueda de la verdad. Un guión impecable, una muy buena opción de renta.

The Science of Sleep (Dir: Michel Gondry, Francia, Italia, 2006)

Gael García Bernal y Charlotte Gainsbourg protagonizan esta alucinante fantasía sobre los sueños y el amor. Stephane (García Bernal) es un joven artista que vive indistintamente entre el mundo real y un programa de televisión que conduce en sus sueños. Cuando conoce a Stephanie (Gainsbourg), comienza torpemente el cortejo, un surrealista viaje dentro del psique del ser humano, los instintos y el deseo.
El francés Michel Gondry usa el medio cinematográfico como su canvas para crear un mundo de ensueño de cartón y celofán, una interesante obra de autor que será del gusto de quienes aprecian el cine no convencional. En sí, la película es buena, no excelente, con un tono agridulce y actuaciones competentes del elenco multinacional (está hablada en francés, inglés y español). Si te gusta el cine fuera de la cartelera comercial, de seguro encontrarás algo interesante en “The Science of Sleep”.

Estas películas están disponibles en DVD en los videoclubes locales.

Off The Record: La canción que Stephane escribe para Stephanie está cantada al tono de “After Hours”, de The Velvet Underground, canción presentada en el trailer de la película.

Paréntesis musical: Morrissey

2007-06-06T12:48:00.000-07:00

Morrissey
Tucson Music Hall
May 31, 2007

The Queen Is Dead / The Last Of The Famous International Playboys / You Have Killed Me / In The Future When All's Well / Disappointed / Girlfriend In A Coma / Let Me Kiss You / I've Changed My Plea To Guilty / The National Front Disco / That's How People Grow Up / At Last I Am Born / I Just Want To See The Boy Happy / I Will See You In Far Off Places / Irish Blood, English Heart / All You Need Is Me / The Boy With The Thorn In His Side / Everyday Is Like Sunday / Please, Please, Please Let Me Get What I Want / Life Is A Pigsty / How Soon Is Now? // First Of The Gang To Die / You're Gonna Need Someone On Your Side

We will never be as young as we were that moment...

Road trip round-up:

1 Shuttle
1 Crucero bus
2 city buses
1 taxi
1 Italian meal
1 iced tea
1 pastrami sandwich
1 nachos
1 espresso
1 capuccino
1 vanilla coffee
2 tickets
8 beers
0 concert merchandise
1 "absolutely, wonderfully... okay" day
24 hours without proper sleep
and 1 lovely date...

Foto: http://pistolcreative.com/Moz_Arizona07/

Literatura Cinematográfica: Guillermo Arriaga

2007-05-28T18:16:00.000-07:00

Los libros son sólo manchas de tinta en papel. El gran truco de la literatura está en que esas manchas envuelvan a la mente, que reflejen luz donde antes no la había, como un espejo de la experiencia humana.
En la obra de Guillermo Arriaga, novelista y escritor de cine, los personajes caminan constantemente en la delgada línea entre la personalidad y el verdadero carácter, donde el comportamiento merodea en algún extremo del abismo.
“Existe un momento preciso en el que cambia la vida de alguien”, comentó Arriaga hace unos días durante una cándida plática en Hermosillo.
Autor empedernido desde hace 26 años, Arriaga defiende con su vida lo que escribe, como un boxeador dentro del cuadrilátero o un cazador frente a su presa.
Para él, la palabra guión conlleva un significado peyorativo, por lo que prefiere usar el término obra de cine o literatura cinematográfica.
Fue esa postura y la pelea por el crédito lo que inevitablemente resultó en la separación profesional entre Arriaga y el cineasta Alejandro González Iñárritu.
Golpes literarios aparte, ¿cómo han resultado las adaptaciones al cine de las novelas de Arriaga y los trabajos originales para ese medio que el escritor ha realizado hasta el momento?
“Off the record” hace una breve revisión, el foro sigue abierto.

“Un dulce olor a muerte” (1999)
Director: Gabriel Retes
Escritores: Edna Necoechea (adaptación), Guillermo Arriaga (novela)

Una película aburrida, que ni su protagonista, Diego Luna, ha podido defender con el paso del tiempo. “Un dulce olor a muerte” cuenta la historia de Ramón, un adolescente que encuentra el cuerpo inerte de su novia en un sembradío. El asesinato agita a todo el pueblo y el dolido enamorado tiene que decidir entre desvanecerse o vengar a su primer amor. El tratamiento de la adaptación se asemeja al de las películas de la época de Ripstein, algo así como “pueblo chico infierno grande”. Olvidable y sin la energía narrativa del trabajo posterior de Arriaga.

“Amores Perros” (2000)
Director: Alejandro González Iñárritu
Escritor: Guillermo Arriaga

El inicio de una galardonada trilogía, “Amores Perros” puso en el mapa al “nuevo” cine mexicano en el extranjero, llevándose premios en diversos festivales, más notablemente en Cannes.
Tres historias entrelazadas por un accidente automovilístico, “Amores…” retrata de manera cruda la vida de un grupo de personajes que de alguna forma se enfrentan a la pérdida, al arrepentimiento, al amor y a la realidad del entorno en el que viven.
La fuerza de las actuaciones, sobre todo de Gael García Bernal y Vanessa Bauche, elevan a niveles sublimes de angustia, ira y pasión a la en ocasiones forzada estructura narrativa. Un parteaguas comercial y muestra de lo que aún estaba por llegar.

“21 gramos” (21 Grams, 2003)
Director: Alejandro González Iñárritu
Escritor: Guillermo Arriaga

El éxito de “Amores Perros” le permitió a Arriaga y a González trabajar en Estados Unidos con el presupuesto y la credibilidad suficientes para contratar a actores de la Lista-A de Hollywood.
Sean Penn, Naomi Watts y Benicio del Toro, posiblemente la trifecta actoral mejor lograda de ese año, hicieron de “21 gramos” una película difícil de digerir pero también difícil de olvidar.
De nuevo se retoma la temática de la pérdida y la redención, con tres destinos unidos por un accidente. Como una herida abierta, “21 gramos” duele y pesa, pero el manejo no lineal de la historia le roba intensidad a los momentos más desgarradores. Con esta película, González y Arriaga probaron que podían trabajar de igual manera en español como en inglés.

“Los tres entierros de Melquiades Estrada” (The Three Burials of Melquiades Estrada, 2005)
Director: Tommy Lee Jones
Escritor: Guillermo Arriaga

Como lo planteara el mismo Arriaga, hay momentos en los que de repente cambia la vida de una persona. En “Los tres…”, el autor mexicano tuvo la oportunidad de probar suerte fuera de la dupla con Iñárritu, encontrando en Tommy Lee Jones un firme aliado para plasmar en la pantalla este impecable “western”. Mike Norton (Barry Pepper), oficial de la patrulla fronteriza, le da un mortal balazo por accidente a Melquiades Estrada (Julio Cedillo), un humilde vaquero mexicano. El sheriff Pete Perkins (Tommy Lee Jones), viejo amigo de Melquiades, secuestra y obliga al joven oficial a transportar hasta México el cuerpo del caído “cowboy”. Durante el viaje, en la tradición del cine de John Huston, los hombres se encontrarán a ellos mismos en el nombre de la justicia, la lealtad y la amistad. Excelente película, premiada a nivel internacional y posiblemente el trabajo más humanista de Arriaga.

“Babel” (2006)
Director: Alejandro González Iñárritu
Escritores: Guillermo Arriaga y Alejandro González Iñárritu (idea)

Esta película llevó al siguiente nivel la técnica de las historias entrelazadas, con cuatro narrativas paralelas en diferentes partes del mundo. Una obra cosmopolita pero de humana universalidad, “Babel” es la más compleja de la trilogía que comenzó con “Amores Perros”, con resultados mixtos pero finalmente gratificantes. De nueva cuenta trabajando en diferentes idiomas, con enlistados-A de Hollywood y "no actores", “Babel” sería la última película en equipo de Arriaga con González. Destacan las actuaciones de Adriana Barraza, Rinko Kikuchi y Brad Pitt. La literatura cinematográfica de “Babel”, o guión como aún se le conoce, fue nominada a un Óscar. Un proyecto ambicioso que conquistó al público internacional, “Babel” es un trabajo respetable y trascendente, que merece todos los elogios que ha recibido hasta el momento.

Próximamente estará en las salas de cine “El búfalo de la noche”, otra adaptación de una novela de Guillermo Arriaga, nos vemos en el cine.

Off the record: Guillermo Arriaga escribió 800 veces la primera página de “El búfalo de la noche” y tardó cinco años en leerlo.

Foto: Guillermo Arriaga durante su conferencia en las Fiestas del Pitic (Fausto Ibarra, EL IMPARCIAL)

Cine en casa: "El Perfume"

2007-04-18T17:20:00.000-07:00

“El Perfume”, la poéticamente descriptiva novela del germano Patrick Süskind, era para la industria cinematográfica una historia imposible de filmar. Tim Burton, Ridley Scott, Martin Scorsese y Milos Forman estuvieron interesados en el proyecto, pero al final fue Tom Tykwer (Lola Rennt, 1998) quien tomó las riendas de la película alemana más costosa de todos los tiempos.
Süskind representó uno de los principales obstáculos que impedían llevar al cine la historia de Jean Baptiste Grenouille, debido a su escepticismo inicial sobre la venta de los derechos de autor de su obra, un verdadero fenómeno de la literatura moderna.
“El Perfume”, la película, es un valiente ejercicio de adaptación, omite las largas descripciones olfativas del texto, prefiriendo un tratamiento directo y condensado de esta sensual y perturbadora historia.
Ben Whishaw, con su impecable encarnación del inodoro hombre con la nariz más desarrollada de París, le da al personaje una humanidad que la frialdad del texto limita.
El huérfano aprendiz de perfumista es una de las figuras más antipáticas y repugnantes de la literatura, pero Tykwer le permite una sensibilidad casi infantil, creando un protagonista donde antes sólo existía una abominable presencia principal.
Dustin Hoffman está en perfecta forma en el papel de Baldini, el perfumista que le enseña las bases del oficio al inquieto y torpe Grenouille.
La edición ágil, la narración concisa, las preciosas doncellas vírgenes y los detallados escenarios hacen de los 145 minutos de esta película una verdadera delicia.
“El Perfume” encuentra el esplendor en lo hediondo, la belleza en lo mórbido y la divinidad en lo maléfico.
Tykwer ha destilado la esencia de “El Perfume”, un épico logro, una seductora película.

“El Perfume” está disponible en DVD.

En cartelera: "300"

2007-04-03T12:20:00.000-07:00

“300”, adaptación al cine de la novela gráfica de Frank Miller, es una obra maestra del estilo sobre sustancia. Es una película sin utilidad, de nula trascendencia y diálogos baratos, pero su ultraviolento ataque a los sentidos aceleró durante dos horas el flujo de la sangre que corre por mis venas.
El realizador Zack Snyder (Dawn of the Dead, 2004) y el fotógrafo Larry Fong (Lost, TV 2004-2005) han creado un sombrío escenario en el que fornidos hombres con pocas ropas lucen feroces mientras descuartizan sin piedad a sus rivales.
Los 300 en cuestión son un grupo de temerarios espartanos, que liderados por el Rey Leonidas (Gerard Butler), enfrentó a más de un millón de persas seguidores del rey Jerjes (Rodrigo Santoro) en la batalla de las Termópilas.

La trama se centra en esta gran pelea, en la que los defensores de Esparta intentarán evitar la aniquilación apoyándose solamente en su valentía, la firmeza de sus escudos y el filo de sus lanzas.

Cargada de homoerotismo, “300” nos deleita con la carnal belleza de Lena Headey como la reina Gorgo, razón suficiente para regresar a casa después de un día de masacre.
La acción en vivo y los fondos virtuales le dan vida al cómic de Miller, quien provocó gran impacto en Hollywood en el 2005 cuando él mismo codirigió junto a Robert Rodríguez la versión cinematográfica de “Sin City”.
Al igual que su antecesora, “300” no tiene piedad y no guarda prisioneros, es, como lo dice Leonidas, “una cena en el infierno”.
Sería divertido revisar el guión de esta cinta para ver cuántos “ARRGGH” aparecen entre las líneas impresas en mayúsculas.
Ah qué montaña rusa, tan excitante y sin sentido.

TRAILER

Cine en casa: "Volver"

2007-03-15T11:47:00.000-07:00

La más reciente película de Almodóvar es una de las más sutiles de su extensa filmografía. “Volver” es una película surrealista, pero a la vez no lo es. Es un homenaje a la feminidad y a las relaciones entre madre e hija que trascienden el tiempo, la vida y la muerte. Penélope Cruz luce regia, natural, con una tenue pero siempre presente sensualidad. Su actuación le valió una nominación al Óscar y su porte ha sido comparado con el de la eternamente bella Sofía Loren. Carmen Maura, como la matriarca que reaparece sin previo aviso después de su muerte, ha creado un personaje para siempre, al igual que el resto del memorable elenco. Almodóvar realmente está enamorado de estas mujeres y les hace justicia con la cámara y la pluma, con un guión impecable, lleno de nostalgia, humor y pequeños trozos de información que al final resultan altamente gratificantes. Mucho más que la suma de sus partes, “Volver”, es lo mejor del cine de Pedro Almodóvar desde “Todo sobre mi madre”. Es posible que sea la mejor película del año pasado, compitiendo muy de cerca con “El laberinto del fauno”, el tour de force de Guillermo del Toro. Si no tuviste la oportunidad de verla en su corrida inicial, limitada por cierto, ahora tienes la oportunidad de disfrutarla en casa. El DVD no trae muchos extras, pero las imágenes, sonidos y la historia son sublimes.

Fabricantes de sueños

2007-02-26T16:00:00.000-08:00

Francis Ford Coppola (The Godfather), Martin Scorsese (Mejor Director 2007 por "The Departed"), Steven Spielberg (Schindler's List), George Lucas (Star Wars). Respect.

Y el Óscar va para...

2007-02-24T13:02:00.000-08:00

La cuenta regresiva para la gala más importante de la industria cinematográfica del Norte de América está a pocas horas de llegar a su fin.
El domingo, a las 5 de la tarde hora Pacífico, 8 de la noche tiempo del Este, el Kodak Theatre de Los Ángeles, California, estará colmado de estrellas; algunas se irán a casa con una estatuilla dorada y otras tendrán que conformarse con el honor de haber sido nominadas.
Óscar está aquí, después de un año excepcional para el cine, en el que destacó la que denominaremos “Mexican invasión”.
Sin más preámbulo, aquí nuestras predicciones para esta noche… Nos vemos en el cine.

Mejor Película

Todo parece indicar que “Babel” se erigirá como la ganadora de la presea más codiciada de la noche. Alejandro González Iñárritu y Guillermo Arriaga han logrado con su tercer largometraje en equipo una desgarradora obra universal, evocativa y desgarradora, con un elenco internacional uniformemente brillante. “The Departed”, saga gangsteril de Martin Scorsese, es la segunda en puerta, pero el candor de “Little Miss Sunshine” podría dar la sorpresa.

Ganará: Babel
Le vamos a: Babel

Mejor Director

Martin Scorsese es el mejor director activo de Estados Unidos, pero la Academia no lo ha galardonado con un Óscar, en una extraordinaria carrera que incluye cintas como “Taxi Driver”, “Goodfellas” y “The Aviator”. Los expertos dicen que ya le toca ganar, a pesar de que “The Departed” no esté considerada como una de sus mejores películas. Honor a quien honor merece. González Iñárritu podría “robárselo”, pero la vemos difícil.

Ganará: Martin Scorsese
Le vamos a: Martin Scorsese o Alejandro González Iñárritu

Mejor Actor

Forest Whitaker es un fenomenal actor con un don innegable y una extensa carrera en el séptimo arte. Lo recordamos en películas como “The Crying Game” y “Ghost Dog”. En “The Last King of Scotland”, Whitaker creó un personaje memorable y su actuación en esta cinta le ha merecido casi todos los premios de la crítica internacional. Por otro lado, Will Smith nos conmovió con su interpretación de un padre con problemas económicos en “The Pursuit of Happyness” (sic), por lo que también podría pararse en el podio del Kodak Theatre. Peter O’ Toole, otro fascinante actor, ya tiene un Óscar honorario, pero nunca ha ganado en esta categoría. La moneda está en el aire.

Ganará: Forest Whitaker
Le vamos a: Forest Whitaker

Mejor Actriz

Helen Mirren puede estar casi segura de que se irá del Kodak Theatre con un Óscar entre sus brazos. Su actuación en “The Queen” le ha traído este año una oleada de premios y ovaciones. Mirren es una arriesgada actriz que nunca ha comprometido su arte. Además, a Óscar le gustan las reinas. Penélope Cruz tendrá que conformarse con la nominación al igual que las demás damas de la terna, el domingo es de Helen Mirren.

Ganará: Helen Mirren
Le vamos a: Helen Mirren

Mejor Actor Secundario

Eddie Murphy añadirá una estatuilla a su larga carrera de éxitos gracias a su espectacular “regreso” a la lista A de Hollywood por su reveladora actuación en “Dreamgirls”. Murphy hace comedia, drama, canta y baila en este musical, inyectándole vida a cada momento en el que está en la pantalla. Muy cerca de Murphy está Mark Wahlberg, quien literalmente se “robó” cada cuadro en el que estuvo presente en “The Departed”. Djimon Hounsou nos conmovió en “Blood Diamond”, pero la película no fue favorita de los críticos. Alan Arkin podría sorprendernos por su papel en “Little Miss Sunshine”, el caballo negro en todas las categorías.

Ganará: Eddie Murphy
Le vamos a: Eddie Murphy, porque queremos escuchar su contagiosa risa cuando dé su “speech” de agradecimiento.

Mejor Actriz Secundaria

“Dreamgirls” vio el nacimiento de una estrella: Jennifer Hudson. Su arrolladora actuación en la película más nominada de la noche es de lo que el Hollywood de ensueño está hecho. Su talento es un diamante en bruto que espera ser pulido por los mejores artesanos. Inolvidable, hasta el grado de incomodar a los sensibles de oído. Por otro lado, nuestra compatriota Adriana Barraza dio la actuación más sobresaliente del ensamble de actores de “Babel”, demostrando porqué le dicen “La maestra”.

Ganará: Jennifer Hudson o Adriana Barraza
Le vamos a: Adriana Barraza

Mejor Película Extranjera

El fauno, el fauno, el fauno. La fantástica película del mexicano Guillermo Del Toro no sólo es la mejor de habla no inglesa, sino posiblemente la mejor del año. La ausencia de Almodóvar casi le asegura el premio al mexicano. También le ayuda el fenómeno taquillero que generó la cinta en Estados Unidos.

Ganará: El Laberinto del Fauno
Le vamos a: El Laberinto del Fauno

Dato curioso: Peter ‘O Toole y Helen Mirren, histriones nominados este año, actuaron en la que mucha gente considera la peor y más vulgar película de todos los tiempos, la infame “Caligula”.

En cartelera: "Blood Diamond"

2007-02-19T16:58:00.000-08:00

La estatuilla de “The Maltese Falcon”, fabricada de lo “que están hechos los sueños”, los permisos de salida de “Casablanca” y el invaluable diamante rosa de “Blood Diamond”, son claros ejemplos de lo que Alfred Hitchcock definiría como un “MacGuffin”.
Este recurso del guión es una excusa en el argumento para motivar a los personajes y contar una historia, sin importar que el objeto tenga un valor real o sea de mayor importancia para nadie aparte de los involucrados en la trama.
El director Edward Zwick y el guionista Charles Leavitt han creado un “MacGuffin” políticamente cargado para “Blood Diamond”, filme que pretende crear conciencia sobre el alto costo humano de los diamantes importados de zonas de conflicto en África.
Es el año 1999, Sierra Leone está siendo destrozada por la guerra civil y los rebeldes le declaran una guerra frontal al gobierno, reclutando niños desprotegidos para sus sangrientas misiones.
En una redada de los insurgentes, Solomon Vandy (Djimon Hounsou) y su hijo Dia (Kagiso Kuypers) son secuestrados; el padre será forzado a trabajar en una mina de diamantes y su vástago entrará al grupo militar como pequeño soldado.
Durante una de sus arduas jornadas, Solomon encuentra una rara piedra rosa del tamaño de un cubo de hielo, la cual tendrá que dejar detrás después de un ataque de las tropas oficiales.
Descubrimientos de esa magnitud no se mantienen secretos por mucho tiempo, de un momento a otro, Solomon, un humilde pescador, se verá amenazado por quienes ven en el preciado diamante un boleto para salir de África o una fuente instantánea de riqueza y poder.
Entre los interesados en el “MacGuffin” en cuestión está el traficante de diamantes Danny Archer (Leonardo DiCaprio), quien promete a Solomon encontrar a Dia a cambio de una parte del posiblemente millonario hallazgo.
Para Archer, el diamante significa su salida del atormentado continente, para Solomon, la esperanza de encontrar a su hijo.
El par de hombres emprenderán una aventura por las montañas de Sierra Leone en búsqueda del diamante rosa, odisea en la que tendrán que pelear para sobrevivir y enfrentar a los fantasmas y amenazas reales del pasado que los persiguen.
“Blood Diamond” es una película de aventura, con intensas escenas dramáticas, sobre todo las que presentan al campamento de soldados infantiles.
Hounsou y DiCaprio logran momentos desgarradores con sus actuaciones, lo que eleva el tono educativo del guión a niveles de verdadero suspenso y angustia.
La trama tiene algunos cabos sueltos o sin pulir, como la forzada historia de posible amor entre Danny y Maddy Bowen (Jennifer Connelly), una periodista que al parecer tiene un punto débil por los hombres equivocados.
“Blood Diamond” es entretenimiento a gran escala y comparte algunas similitudes con la clásica “El Tesoro de la Sierra Madre”, ambas cintas exploran los más bajos instintos del hombre en búsqueda de algo muy valioso, aunque sea sólo para ellos mismos.

Mi cinematográfico romance

2007-02-14T11:55:00.000-08:00

AMOR HUMANITARIO

Casablanca (Michael Curtiz, 1942): La quintaesencia del cine hollywoodense, “Casablanca” narra un amor atemporal, humanitario, en el que la solidaridad con la patria y el bien de la raza humana es más fuerte que el beneficio personal. Humphrey Bogart encarna a Rick Blaine, un autoproclamado “ciudadano del mundo”, quien está enamorado perdidamente de Ilsa Lund, la esposa de un líder de la resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial.
Un breve amorío en la ocupada París termina en decepción. El reencuentro, que tiene lugar en el bar de Rick en Casablanca, Marruecos, es uno de los momentos icónicos del séptimo arte. Una película para siempre, con un impecable guión, lleno de fascinantes diálogos y coloridos personajes secundarios. Inolvidable: La interpretación de “As Time Goes By”, de Dooley Wilson. Si ya la viste, revívela, si no, réntala y disfrútala bien acompañado.

AMOR HISTÓRICO

Lo que el viento se llevó (Victor Fleming, 1939): Épico americano que revive la historia de la Guerra Civil en los ojos de Scarlett O’ Hara, una señorita de sociedad que se convertirá en mujer durante ese turbulento periodo. Esta refinada y rebelde dama, interpretada por la clásicamente bella Vivien Leigh, tiene su futuro asegurado con un noble caballero, pero sus instintos y pasiones están con Rhett Butler - el galán Clark Gable -, un tosco hombre que le advierte que “le hace falta que la besen, bien”. Ella tendrá que decidir entre su orgullo y el amor ardiente que siente por ese misterioso y obstinado individuo. Pasan los años, la guerra no cede y las vastas tierras de los O’ Hara quedan en la miseria, por lo que Scarlett tiene que ingeniárselas para sobrevivir. Matrimonios por necesidad, más que por interés, marcan a la hermosa doncella, pese a la constante presencia de Rhett, amor que no será eterno si ella no se entrega a sus sentimientos más básicos. Grandiosa producción de época, con un romance apasionado y escenas de gran magnitud y poder histórico.

AMOR ETERNO

Historia de amor (Arthur Hiller, 1970): Basada en la novela de Erich Segal, esta cinta es la plataforma moderna para las historias de amor trágico que han hecho llorar a generaciones. ¿Hay algo más triste que la muerte del ser amado? Hombre conoce a mujer, hombre se enamora de mujer, mujer tiene una enfermedad fatal. Él es Oliver Barrett IV (Ryan O’ Neal), un apuesto alumno de Harvard; ella es Jennifer Cavalleri (Ali MacGraw), una vibrante estudiante de música. Ante la adversidad, ellos logran casarse, sólo para descubrir que la joven mujer no podrá tener hijos y sufre un terrible padecimiento. Más que una historia sobre la muerte, “Historia de amor” celebra la vida de esta bella pareja, que se mantendrá junta hasta el último momento. Dato curioso: Es muy posible que el tema musical lo hayas “tarareado” al formar un corazón con tus manos después de un comentario romántico. Ve esta película para que sepas de donde viene esa clásica melodía.

AMOR NERVIOSO

Annie Hall (Woody Allen, 1977): En el año que el “punk” estalló y que “Star Wars” reinó en las taquillas, Woody Allen, un angustiado neoyorquino, presentó la mejor película de 1977: “Annie Hall”. Allen es Alvy Singer, un quisquilloso comediante de la Gran Manzana, quien comienza un poco probable romance con la despistada Annie, interpretada por la excelente Diane Keaton. La película comienza al final de la relación y Alvy nos comenta en primera persona los vaivenes del romance, desde su inusual cortejo hasta el inevitable distanciamiento.
Alvy, de lentes y de baja estatura, es un peculiar personaje: Inseguro, tímido frente a las mujeres y con una filosofía personal ácida y neurótica; Annie, alta y de innegable belleza física, es todo lo contrario pero igual de inusual: Extrovertida, despreocupada, transparente y sentimental, habrá quienes dirán “está loca”. “Annie Hall” es una película agridulce, llena de citas citables, no por nada ganó el Óscar a Mejor Película, venciendo a la antes mencionada saga del espacio. Para corazones impacientes y de mente abierta.

En cartelera: "The Pursuit of Happyness"

2007-02-07T09:55:00.000-08:00

No os preocupéis, la cuesta de febrero pasará. Cierto o no, si tienes la oportunidad de ver la película “En busca de la felicidad”, al menos encontrarás en ella un mensaje positivo que podría inspirarte a salir airoso de las dificultades del día.
Chris Gardner (Will Smith) es un poco exitoso vendedor de escáners de masa ósea (¿huh?), con un extraordinario talento para los números.
Debe varios meses de renta, el fisco lo trae “cocido” y, para acabarla de amolar, su esposa Linda (Thandie Newton) no está muy contenta con el doble turno que debe cubrir para pagar la guardería del pequeño Christopher (Jaden Smith).
La situación no mejora y Linda decide marcharse, dejando solos a padre e hijo, quienes tendrán que sobrepasar sus carencias en busca de la felicidad, objetivada en un billete.
Un encuentro fortuito lleva a Chris a las puertas de una prestigiada casa de bolsa, en donde encontrará a los directivos más alivianados que un vendedor de escáners de masa ósea (no preguntes) podrá conocer.
Su talento nato para las matemáticas le merece a Chris una capacitación, sin paga, para buscar un puesto como corredor de bolsa.
Durante los meses subsecuentes, los Gardner tendrán que pasar miserias, viviendo en albergues y valorando cada centavo de dólar.
Dado que esta película está basada en un caso de la vida real, presentado en el programa de Oprah Winfrey, el final no es muy sorpresivo, lo que le quita un poco al suspenso.
Lo que sí es rescatable de la primera cinta en inglés del italiano Gabriel Muccino es la interacción entre Will Smith y su hijo Jaden Smith, quienes pilotean una historia que sin su presencia estaría carente de emoción.
El “Príncipe del Rap” ha llegado muy lejos en Hollywood, merecidamente, y ésta es su actuación más redonda y acertada, de calibre Óscar, sin duda.
“En busca de la felicidad” es inofensiva, inspiradora y una opción segura de la cartelera comercial disponible. Lleva pañuelos.

The "O" Word

2007-01-25T11:51:00.000-08:00

Las nominaciones a los premios Óscar 2007 ya fueron anunciadas. Destaca la inclusión de al menos 10 mexicanos: Alejandro González Iñárritu, Guillermo Arriaga, Guillermo del Toro, Emmanuel Lubezki, Alfonso Cuarón, Adriana Barraza, Eugenio Caballero, Pilar Revuelta, Guillermo Navarro, Fernando Cámara y otros involucrados en diversas facetas de la producción. Fue un muy buen año para el talento mexicano, no para el cine mexicano, como se ha manejado en algunos medios, ya que las películas nominadas son de manufactura al menos parcialmente extranjera. Bien por nuestros paisanos, que han decidido colaborar con productoras estadounidenses o europeas que les permitan realizar sus propuestas sin tantas limitaciones de presupuesto.
"Babel", de González Iñárritu, es una de las favoritas para llevarse la estatuilla de Mejor Película, categoría en la que se enfrentará con "The Departed", de la Leyenda Sin Óscar Marca Registrada Martin Scorsese.
En la categoría de Mejor Película Extranjera está "El laberinto del fauno", de Guillermo del Toro, fuerte contendiente a llevarse el premio dada la ausencia de Pedro Almodóvar y su "Volver".
Alfonso Cuarón, de manera sorpresiva, logró colocar a su película "Children of Men" en la carrera por algunas categorías técnicas y por el guión adaptado, el cuál él mismo elaboró en colaboración con otros escritores.
Además de los realizadores, están nominados Arriaga por su guión y Barraza por su actuación en "Babel", así como Lubezki por su trabajo fotográfico en "Children of Men".
¿Ganará alguno de ellos un premio? González Iñárritu la tiene difíficil contra Scorsese, pero "Babel" es una de las más fuertes candidatas a llevarse el premio más importante de la noche.
Como ya sabemos, Scorsese se llevó el Globo de Oro por Mejor Director y "Babel" ganó Mejor Película; los Óscares frecuentemente hacen eco a estos premios de la prensa extranjera.
La cinta de Del Toro se "coló" en varias categorías, lo que le da altas posibilidades de ganar la estatuilla que premia al cine en habla diferente al inglés.
Cuarón y Lubezki tienen medianas posibilidades por su trabajo, en categorías muy díficiles de predecir dada su tecnicidad y variedad de estilos.
Barraza es el "caballo negro" en el rubro de Mejor Actriz Secundaria, teniendo como principal adversaria a Jennifer Hudson, ganadora del Globo de Oro en esa misma categoría.
En cuanto a Caballero, Revueltas y Navarro, apostar sería riesgoso, pero sus aportaciones a "El laberinto del Fauno" (dirección de arte y fotografía) reforzaron la visión de esta sublime fantasía. Fernando Cámara es parte del equipo de sonido de "Apocalypto", nominada en esa categoría junto a otras megaproducciones como "Pirates of The Caribbean: Dead Man's Chest".
Para Mejor Película, "Babel" y "The Departed" comparten la quinta con "Letters From Iwo Jima", "Little Miss Sunshine" y "The Queen".
Gratas sorpresas resultaron las nominaciones de Eddie Murphy por su trabajo en "Dreamgirls" y del director Paul Greengrass, por su desgarradora y menospreciada "United 93". Nos vemos... en el cine.
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